« Identités » est une création audacieuse où Catherine Lara, violoniste éclectique et icône de la scène musicale, rencontre l’énergie explosive de la Cie Kumo, spécialiste du hip-hop et du break dance. Ce spectacle mêle musique live, danse contemporaine et visuels immersifs pour interroger notre rapport aux réseaux sociaux, à la société et à l’autre.

Sur scène, quatre danseurs et une violoniste dialoguent à travers des chorégraphies puissantes, des compositions originales et des inspirations cinématographiques. Entre réalité et virtuel, « Identités » explore les paradoxes de notre époque : la quête d’émancipation, les discriminations, et la recherche d’un équilibre entre individualité et collectif.

Un mélange détonant de world music, d’électro-pop et de mouvements urbains, servi par une scénographie minimaliste où lumière et vidéo créent une atmosphère envoûtante. « Identités » est une ode à la différence, un appel à l’ouverture et à la tolérance, porté par des artistes unis malgré leurs univers contrastés. Une expérience émouvante, rythmée et profondément humaine, à découvrir en tournée jusqu’en 2027.

Un album-miroir

Fête Foraine se présente comme un « tableau sonore brillant », où chaque chanson incarne une facette de l’existence. Christophe Maé y place « le cœur au centre du rébus du temps », célébrant l’amour sous toutes ses formes : familial (Adieu mon amour, en duo avec la chanteuse de flamenco Cécile Evrot), conjugal (Une star, hommage à son épouse après 20 ans de vie commune), ou encore universel (Il n’y a que de l’amour chez toi, ode à la joie inspirée de la Motown). L’album aborde aussi « la fin des choses » et « la folie douce », comme dans Seul, où « la fête prend deux visages » – celui qui sourit et celui qui pleure, illustrant la dualité des émotions.

Une richesse musicale éclectique

Fidèle à son éclectisme, Maé mêle « chanson française, blues, soul, musique africaine, flamenco, pop et reggae » pour créer un « résultat clair, immédiat et sans fioritures ». Cette diversité reflète son parcours de « 25 ans de voyages au cœur du son », aboutissant à une quête de « simplicité » – une valeur qu’il considère comme « ce que tout artiste recherche en musique ». Les arrangements, à la fois « traditionnels et modernes », soulignent cette recherche d’authenticité, comme dans Adieu mon amour, où le flamenco exprime « la peur de l’abandon », ou dans Une star, où une rythmique hip-hop sublime « la relation de couple ».

Une connexion unique avec le public

Christophe Maé insiste sur le « lien privilégié » qu’il entretient avec son auditoire, composé de fans de tous âges – dont 41,5 % de ses abonnés TikTok ont entre 18 et 24 ans. Fête Foraine est conçu comme « une allégorie de la lutte d’un artiste contre la fin des choses », une réflexion sur « le crépuscule de chaque émotion » qui résonne avec l’expérience universelle du « chapiteau qui se démonte » et du « cirque qui quitte la ville ». En célébrant « la force féminine » (maternelle ou conjugale) et « l’Autre », Maé se dévoile « plus que jamais », assumant ses vulnérabilités et ses « masques » avec une sincérité rare.

Un retour aux sources

L’album marque un « retour aux sources » pour l’artiste, qui y puise « le courage de raconter [sa] vie » sans filtre. « Si je me regarde aujourd’hui à travers les yeux du gamin que j’étais, dit-il, je réalise que j’ai fait un long parcours pour […] me mettre à nu en musique et au fil des mots. » Cette introspection se double d’une « harmonie avec soi-même et une communion avec l’Autre », libérée des jugements – une référence à Sartre (« L’enfer, c’est les autres ») qu’il cite pour illustrer son évolution.

Projet scénique et héritage

Avec Fête Foraine, Christophe Maé signe « l’une de ses plus belles œuvres musicales », un disque qui « se lit comme un festival de couleurs et de sons ». Après sa sortie, une tournée est prévue en 2026, où il défendra cet album « généreux et raffiné » sur scène. À 50 ans, et fort de 25 ans de carrière, Maé confirme son statut d’artiste « en harmonie avec son époque », capable de toucher « des générations variées » tout en restant fidèle à son « ADn musical : la simplicité et l’émotion pure ».

En 2026, Amel Bent confirme son dynamisme artistique avec l’annonce d’un projet surprise, préparé en parallèle de son rôle de coach dans The Voice. Après le succès de son huitième album « Minuit une » et de singles percutants comme « Pourquoi tu restes » (co-écrit avec Vitaa), la chanteuse ne veut pas attendre la fin de sa tournée pour dévoiler de nouvelles créations. « Ces chansons ne peuvent pas attendre », confie-t-elle, révélant une urgence créative et une envie de partager rapidement ces morceaux avec son public.

Ce projet, dont la forme reste secrète (album, EP ou singles ?), s’inscrit dans une période résolument optimiste pour l’artiste. Après des années de défis, Amel Bent affirme « aller mieux » et se projeter vers l’avenir avec une inspiration renouvelée. « L’envie de créer est revenue plus forte que jamais », explique-t-elle, soulignant une maturité artistique et une liberté retrouvée.

En parallèle, son concert à l’Accor Arena (29 avril 2026) s’annonce comme un événement phare, célébrant ses 20 ans de carrière avec un spectacle « brut et sans filtre ». Entre tubes intemporels, émotions pures et surprises, ce show promet de refléter toute la richesse de son parcours.

Avec ce nouveau chapitre, Amel Bent prouve qu’elle reste une figure incontournable de la musique française, capable de se réinventer tout en restant fidèle à son essence. « La meilleure est à venir », semble-t-elle promettre. À suivre avec impatience ! ????✨

Révélée dans la comédie musicale Le Roi Soleil et marquée par son interprétation de la voix chantée de Céline Dion dans Aline (rôle de Valérie Lemercier), Victoria Sio fait son grand retour. Après quelques titres à venir, elle sera en concert le 2 septembre au Parc de Bagatelle à l'Orangerie. Un album est également prévu avant la fin de l’année, avec une collaboration de Grand Corps Malade.

#NouveauSingle #VictoriaSio #Pop #Concert #GrandCorpsMalade ✨

Félix Radu, pianiste et compositeur franco-roumain, s’impose comme l’une des figures les plus captivantes de la scène musicale contemporaine. Formé au Conservatoire de Paris et lauréat de nombreux concours internationaux, il a su marier virtuosité classique, improvisation jazz et influences électroniques pour créer un univers unique. Son jeu, à la fois technique, émotionnel et innovant, séduit un public toujours plus large, des salles de concert aux festivals les plus avant-gardistes.

Infini +3 : Une odyssée musicale entre tradition et futurisme

Avec son nouvel album, Infini+3, Félix Radu pousse les limites de sa créativité. Ce projet ambitieux et immersif explore les frontières entre le répertoire classique, la composition contemporaine et l’expérimentation sonore. L’album, enregistré entre Paris, Bucarest et Berlin, mêle des pièces originales à des réinterprétations audacieuses de grands classiques, le tout porté par une production riche et cinématographique.

Infini +3 est une invitation à un voyage sans limites, où le piano devient un vaisseau spatial, naviguant entre Bach, le minimalisme et des paysages sonores électroniques. Félix Radu y déploie une palette émotionnelle large : de la mélancolie envoûtante (Nocturne pour un rêve) à l’énergie électrique (Pulse), en passant par des morceaux contemplatifs comme Horizon. L’album est salué par la critique pour sa profondeur et son audace, confirmant le statut de Radu comme un artiste inclassable.

Depuis 25 ans, Bénabar, de son vrai nom Bruno Nicolini, incarne l’art de mêler poésie, humour et émotion dans la chanson française. Avec plus de 3,5 millions d’albums vendus et une carrière jalonnée de tubes intemporels, il revient en 2026 avec un onzième album, Le Soleil des Absents. Un disque intime et résilient, marqué par des épreuves personnelles et une quête de sens renouvelée.

Le Soleil des Absents : Un album né de l’absence et de la lumière

Le Soleil des Absents est un voyage émotionnel, né d’un besoin de recul et de reconstruction. Après un séjour à Saint-Pierre-et-Miquelon fin 2022, Bénabar y puise l’inspiration pour des chansons comme Les Mayous, un hommage aux habitants de l’île. Mais c’est la disparition tragique de Denis, son accordéoniste et ami de toujours, qui donne à cet album sa dimension la plus poignant. « Le soleil des absents, c’est lui », confie-t-il. Entre mélancolie, humour et résilience, ce disque est un retour aux sources, où chaque note rend hommage à ceux qui ne sont plus là, mais dont la lumière persiste.

Avec des titres comme Fuck la peine (inspiré d’un graffiti parisien), Les Camarades (une ode à la fraternité), ou Trois jours trois nuits (un récit psychologique façon cinéma), Bénabar prouve une fois de plus son talent de conteur. L’album est un mélange de tendresse, de lucidité et d’énergie, porté par une écriture toujours aussi percutante.

Un retour sur scène ambitieux Faudel rejoint la tournée "I Gotta Feeling" dès janvier 2026, aux côtés des stars des années 2000. Ce grand retour sur scène marque le début d’une nouvelle aventure artistique pour l’artiste, qui souhaite reconquérir son public français. Il prépare également un concert solo à l’Olympia pour l’automne 2026, un événement très attendu par ses fans.

Un nouvel album en préparation Faudel travaille sur un nouvel album, prévu pour 2026. Il a déjà enregistré plusieurs nouvelles chansons et promet un mélange de raï populaire et d’influences modernes, tout en restant fidèle à ses racines. Ce projet musical s’annonce comme une nouvelle étape importante dans sa carrière.

Une nouvelle énergie et une maturité artistique Après un exil au Maroc et une période de reconstruction personnelle, Faudel revient avec une énergie renouvelée et une vision plus mature de sa musique. Il explique avoir tourné la page des épreuves passées et se concentre désormais sur sa passion pour la scène et la création.

Un héritage toujours vivant Faudel reste une figure emblématique du raï, avec des tubes inoubliables comme Tellement N’Brick et sa participation au légendaire concert 1, 2, 3 Soleils en 1998. Son retour est accueilli avec enthousiasme par ses fans, qui n’ont jamais cessé de le soutenir.

Son actualité 2026 s’annonce riche en émotions et en projets, avec une volonté claire de marquer à nouveau la scène musicale française et internationale.

Né Pierre Garand en 1972 à Sherbrooke, au Québec, Garou s’impose comme l’une des voix les plus marquantes de la chanson francophone. Sa carrière prend un tournant décisif en 1997 lorsqu’il incarne Quasimodo dans la comédie musicale Notre-Dame de Paris. Le succès phénoménal du titre Belle propulse Garou sur le devant de la scène internationale, faisant de lui une star incontournable.

Dès 2000, il entame une carrière solo avec l’album Seul, qui se vend à plus de 2,5 millions d’exemplaires et lui vaut une Victoire de la Musique. Ses duos, comme Sous le vent avec Céline Dion, et ses albums suivants confirment son statut d’artiste majeur, cumulant plus de 5 millions de disques vendus et de nombreuses récompenses, dont 11 Félix au Québec et 3 Victoires de la Musique en France.

Parallèlement à sa carrière musicale, Garou explore d’autres horizons : coach dans The Voice en France et au Québec, animateur d’émissions musicales, et acteur à l’écran. Son charisme et sa polyvalence lui permettent de rester une figure centrale de la culture francophone.

La tournée Solo 2026 : une expérience intimiste et authentique

En 2026, Garou propose une tournée inédite, Solo, où il se produit seul sur scène, accompagné uniquement de son piano, de sa guitare et d’une scénographie immersive. Ce format épuré met en lumière sa voix puissante et son talent d’interprète, dans une ambiance chaleureuse et intimiste.

La tournée, qui s’étend sur toute l’année, traverse plus de 30 villes françaises, de Paris à Toulon, en passant par Lyon, Bordeaux et Strasbourg. Garou y interprète ses plus grands succès, ainsi que les titres de son dernier album, Un meilleur lendemain, sorti en 2025. Cet opus, le premier où il signe toutes les chansons, marque un retour à l’écriture et à l’authenticité, après une longue pause en tant qu’auteur-compositeur.

Sur scène, Garou partage des anecdotes, des émotions et des moments de vie, offrant une rétrospective de plus de 30 ans de carrière. Le spectacle, à la fois musical et théâtral, est soutenu par des images projetées et une mise en scène élégante, créant une atmosphère unique et émouvante.

Un artiste intemporel

Avec cette tournée, Garou prouve une fois de plus qu’il reste un artiste intemporel, capable de toucher son public avec la même intensité qu’au premier jour. Solo est une invitation à redécouvrir un chanteur au sommet de son art, plus authentique et proche de son public que jamais. Pour les fans comme pour les nouveaux spectateurs, ces concerts promettent des moments inoubliables, où la musique et l’émotion se mêlent pour célébrer une carrière exceptionnelle.

Un monument de la chanson française

Depuis plus de cinquante ans, Laurent Voulzy incarne l’élégance et la poésie de la chanson française. Avec une carrière jalonnée de tubes inoubliables, de "Rockcollection" à "Le Pouvoir des fleurs", en passant par "Belle-Île-en-Mer" ou "Le Soleil donne", il a marqué plusieurs générations par son style unique, mêlant pop raffinée, influences anglo-saxonnes et écriture sensible. Son univers musical, à la fois solaire et mélancolique, a su traverser les décennies sans jamais perdre de sa superbe.

Aujourd’hui, c’est avec "21 Souvenirs", son premier best-of en double vinyle, que l’artiste offre à ses fans un voyage nostalgique et émouvant à travers ses plus grands succès. Sorti le 12 décembre 2025, cet album événement n’est pas qu’une simple compilation : c’est une célébration de son héritage, une invitation à redécouvrir l’œuvre d’un des plus grands mélodistes français, et une déclaration d’amour à la musique, sous le format mythique du vinyle.

Pourquoi un best-of en vinyle ?

Dans une interview accordée à France Bleu, Laurent Voulzy a confié que c’est l’évocation du vinyle qui l’a convaincu de se lancer dans ce projet. "Et là, j’ai dit ‘ok’, c’est l’époque des vinyles qui m’a donné envie de faire de la musique. Je sortais des 45 tours", a-t-il expliqué. Ce format, symbolique d’une époque révolue mais toujours chère à son cœur, représente bien plus qu’un simple support : c’est un hommage à ses débuts, à cette magie des microsillons qui a bercé sa jeunesse et inspiré ses premières créations.

Le choix du double vinyle n’est pas anodin. Il permet de mettre en valeur la richesse de ses arrangements, la douceur de ses chœurs, et la précision de ses guitares carillonnantes, offrant une écoute immersive et fidèle à l’esprit de ses enregistrements originaux. Pour les collectionneurs et les audiophiles, "21 Souvenirs" est bien plus qu’un album : c’est un objet précieux, un morceau d’histoire musicale à chérir.

21 titres, 21 émotions

La sélection des 21 titres qui composent ce best-of n’a rien du hasard. Chaque chanson a été soigneusement choisie pour représenter une facette de son immense répertoire, des premiers succès aux pièces les plus intimes. On y retrouve bien sûr ses tubes incontournables :

• "Rockcollection" (1977), ce tube révolutionnaire qui mêlait pour la première fois des extraits de chansons populaires à une création originale, signé avec Alain Souchon.
• "Le Pouvoir des fleurs" (1992), hymne poétique devenu un classique absolu.
• "Belle-Île-en-Mer, Marie-Galante" (1979), ode envoûtante aux îles et aux rêves d’évasion.
• "Le Soleil donne" (1988), mélodie solaire qui a traversé les générations.
• "Le Cœur Grenadine" (1984), ballade romantique aux accents exotiques.
• "Désir, Désir" (1983), morceau sensuel et dansant.
• "Bopper en larmes" (1983), hommage nostalgique aux idoles du rock.
• "My Song of You" (1992), chanson d’amour aux accents universels.

Mais "21 Souvenirs" ne se contente pas de réunir des hits. Il propose aussi une réinterprétation de "Le Soleil donne" en famille, avec ses quatre fils (Cliff, Julien, Quentin et Nicolas, alias Lieutenant Nicholson). Une première pour l’artiste, qui a partagé ce moment unique : "C’est la première fois de notre vie qu’on était réunis tous les cinq pour faire de la musique ensemble", a-t-il confié. Cette version, chaleureuse et généreuse, ajoute une dimension intime à l’album, rappelant que la musique est aussi une affaire de transmission.

Un héritage qui traverse les générations

Ce qui frappe avec Laurent Voulzy, c’est sa capacité à toucher toutes les générations. Ses chansons, écrites il y a parfois 40 ans, continuent de résonner auprès des jeunes publics. Comment expliquer un tel phénomène d’intemporalité ?

D’abord, il y a l’universalité de ses thèmes : l’amour, le voyage, la nostalgie, la quête de bonheur. Ensuite, il y a son sens inégalé de la mélodie. Voulzy est un maître de l’accroche musicale, capable de créer des ritournelles qui s’impriment dans les mémoires dès la première écoute. Enfin, il y a sa poésie, à la fois simple et profonde, qui parle à chacun sans jamais tomber dans la mièvrerie.

Son collaboration légendaire avec Alain Souchon a aussi joué un rôle clé. Leur alchimie artistique a donné naissance à certains des plus grands tubes de la chanson française. "Rockcollection", écrit par Souchon, est un parfait exemple de cette complicité créative : un mélange audacieux de pop, de rock et de culture musicale, qui a marqué un tournant dans la carrière des deux artistes.

Un artiste perfectionniste et insatiable

Malgré son immense succès, Laurent Voulzy reste exigeant envers lui-même. Il a d’ailleurs confié : "Je ne suis jamais content, tout de suite, de ce que je fais". Cette quête permanente de la perfection explique peut-être pourquoi ses chansons résistent à l’épreuve du temps. Chaque note, chaque parole est pesée, travaillée, jusqu’à ce que le résultat soit à la hauteur de ses attentes.

Cette rigueur se retrouve dans la sélection des titres pour "21 Souvenirs". L’artiste a dû faire des choix, écarter certains morceaux pour en privilégier d’autres, dans une démarche à la fois nostalgique et prospective. "Un best-of, c’est comme un bilan", a-t-il expliqué. "On se retourne sur ce qu’on a fait, et on se dit : ‘Est-ce que ça tient toujours ?’"

Une tournée pour célébrer 50 ans de musique

La sortie de "21 Souvenirs" s’accompagne d’une grande tournée, annoncée pour 2026, avec 60 dates à travers la France. Une occasion pour Laurent Voulzy de retrouver son public, de revisiter ses classiques sur scène, et de partager l’émotion de ces chansons qui ont bercé plusieurs décennies.

Pour l’artiste, monter sur scène reste un plaisir intact. "Chaque concert est une nouvelle aventure", confie-t-il. "On ne sait jamais comment le public va réagir, et c’est ça qui est excitant." Avec ce best-of et cette tournée, il offre à ses fans une double expérience : celle de l’écoute intimiste à la maison, et celle de l’énergie collective en live.

Un album pour les fans… et pour l’histoire

"21 Souvenirs" n’est pas qu’un simple best-of. C’est un objet culturel, un témoignage d’une époque, et une célébration de la chanson française. En le sortant en double vinyle, Laurent Voulzy rend hommage à l’art de l’album, à une certaine idée de la musique comme expérience tactile et sensorielle.

Pour les fans de la première heure, cet album est une madeleine de Proust, un retour en arrière vers les premiers frissons ressentis en écoutant "Rockcollection" ou "Le Pouvoir des fleurs". Pour les jeunes auditeurs, c’est une porte d’entrée dans l’œuvre d’un artiste hors norme, dont les chansons dépassent les frontières du temps.

Conclusion : Laurent Voulzy, l’éternel mélodiste

Avec "21 Souvenirs", Laurent Voulzy prouve une fois de plus qu’il est bien plus qu’un chanteur : c’est un poète, un mélodiste de génie, et un passeur d’émotions. Cet album est à la fois un bilan et un nouveau départ, une façon de regarder en arrière tout en continuant d’avancer.

Alors que la tournée 2026 s’annonce comme un événement musical majeur, une chose est sûre : la musique de Laurent Voulzy, intemporelle et universelle, continuera de faire vibrer les cœurs pour encore longtemps.

???? "21 Souvenirs" – Laurent Voulzy, disponible en double vinyle et CD depuis le 12 décembre 2025. Un cadeau de Noël parfait pour les amateurs de chanson française ! ✨

Quarante ans après la disparition de Daniel Balavoine, sa voix et ses combats résonnent toujours avec la même intensité. Le spectacle "Balavoine, Ma Bataille", présenté par Artcoscène Productions et AA Organisation, rend hommage à cet artiste révolté, visionnaire et indomptable, dont les chansons ont marqué plusieurs générations.

Un spectacle unique, porté par ses anciens musiciens Pour recréer l’énergie brute et l’émotion pure de Balavoine, la scène du Zénith de Toulon accueillera, le 6 février 2026 à 20h, ses anciens compagnons de route : Christian Padovan, Alain Pewzner, Sébastien Chouard (fils d’Yves Chouard), ainsi que Sébastien Bugeaud, Stéphane Huguenin, Ian Aledji et Patrice Schreider, clavier emblématique de 1979 à 1981. Guy Balavoine, son frère et choriste attitré, participera également à cet hommage exceptionnel.

Un répertoire puissant et intemporel De "Mon fils, ma bataille" à "L’Aziza", en passant par "Sauver l’amour" et "Le chanteur", ce spectacle promet de faire revivre les titres mythiques de Balavoine, interprétés par 7 chanteurs et chanteuses de talent : Aurélien Vivos (gagnant de The Voice 2023), Nour (gagnante de The Voice 2022), Roland Karl (finaliste de Nouvelle Star 2005), Antoine Wend, Odem, Fanny Mandréa et Florence François. Chacun apportera sa sensibilité pour réinterpréter avec justesse et puissance les chansons d’un artiste qui chantait avec rage et passion.

Un engagement humanitaire Fidèle aux valeurs de Daniel Balavoine, une partie des bénéfices de la tournée sera reversée à l’association Cap Solidaire International, en soutien aux causes humanitaires qui lui tenaient à cœur.

Infos pratiques

• Date : Vendredi 6 février 2026 à 20h
• Lieu : Zénith de Toulon, Boulevard Commandant Nicolas, 83000 Toulon
• Tarifs : De 25,50 € à 72 € (tarifs réduits pour les moins de 25 ans)
• Réservations : Ticketmaster
• Parking : Réservation possible sur Q-Park

Ne manquez pas cet hommage vibrant à un artiste qui a marqué l’histoire de la musique française !

Quarante ans après la disparition de Daniel Balavoine, sa voix et ses combats résonnent toujours avec la même intensité. Le spectacle "Balavoine, Ma Bataille", présenté par Artcoscène Productions et AA Organisation, rend hommage à cet artiste révolté, visionnaire et indomptable, dont les chansons ont marqué plusieurs générations.

Un spectacle unique, porté par ses anciens musiciens Pour recréer l’énergie brute et l’émotion pure de Balavoine, la scène du Zénith de Toulon accueillera, le 6 février 2026 à 20h, ses anciens compagnons de route : Christian Padovan, Alain Pewzner, Sébastien Chouard (fils d’Yves Chouard), ainsi que Sébastien Bugeaud, Stéphane Huguenin, Ian Aledji et Patrice Schreider, clavier emblématique de 1979 à 1981. Guy Balavoine, son frère et choriste attitré, participera également à cet hommage exceptionnel.

Un répertoire puissant et intemporel De "Mon fils, ma bataille" à "L’Aziza", en passant par "Sauver l’amour" et "Le chanteur", ce spectacle promet de faire revivre les titres mythiques de Balavoine, interprétés par 7 chanteurs et chanteuses de talent : Aurélien Vivos (gagnant de The Voice 2023), Nour (gagnante de The Voice 2022), Roland Karl (finaliste de Nouvelle Star 2005), Antoine Wend, Odem, Fanny Mandréa et Florence François. Chacun apportera sa sensibilité pour réinterpréter avec justesse et puissance les chansons d’un artiste qui chantait avec rage et passion.

Un engagement humanitaire Fidèle aux valeurs de Daniel Balavoine, une partie des bénéfices de la tournée sera reversée à l’association Cap Solidaire International, en soutien aux causes humanitaires qui lui tenaient à cœur.

Infos pratiques

• Date : Vendredi 6 février 2026 à 20h
• Lieu : Zénith de Toulon, Boulevard Commandant Nicolas, 83000 Toulon
• Tarifs : De 25,50 € à 72 € (tarifs réduits pour les moins de 25 ans)
• Réservations : Ticketmaster
• Parking : Réservation possible sur Q-Park

Ne manquez pas cet hommage vibrant à un artiste qui a marqué l’histoire de la musique française !

 Gilbert Montagné est un chanteur français né le 28 décembre 1951 à Paris. 
Atteint de cécité dès sa naissance (ses nerfs optiques ayant été brûlés en raison d'un manque d'oxygène), il
 intègre une école spécialisée où il reçoit un enseignement musical de cinq heures par jour.
 Il se tourne d'abord vers le violon avant de lui préférer le piano.
 À 18 ans, il sort un premier 45 tours "The Fool" qui sera n°1 dans 12 pays. Son premier Olympia, Julien Clerc le
 lui proposera en lui demandant d’assurer sa première partie en 1971.  
En plein succès, Gilbert décide de partir vivre aux Etats-Unis où pour gagner sa vie, il se produit dans des
 pianos-bars. Après cette pause aux États-Unis, c’est Johnny Hallyday qui l’invite à partager la scène au Pavillon
 de Paris, où il livre des performances explosives au piano. La France ne l'avait pas oublié et sa carrière peut être relancée.
 C'est en 1984 que sort l'Album "Liberté", coécrit en partie avec Didier Barbelivien, qui enchaîne les tubes
 comme “On va s’aimer” ou encore “Les Sunlights des tropiques”.                                            
Parallèlement à sa carrière artistique, Gilbert Montagné s’engage activement pour renforcer l’autonomie et la
 dignité des personnes malvoyantes

Sur scène, « La Onzième Folie » est une célébration de la liberté et de l’improvisation. Lynda Lemay, accompagnée de ses musiciens de longue date, Claude Pineault et Marc Angers, y déploie une énergie renouvelée, mêlant humour, émotion et spontanéité. Le spectacle est une invitation à voyager à travers des mélodies envoûtantes et des textes ciselés, où chaque chanson devient une histoire à part entière. Lynda Lemay y aborde avec finesse et profondeur des sujets parfois difficiles, comme la souffrance, la résilience ou la joie simple de vivre, tout en gardant cette touche d’humanité et d’authenticité qui la caractérise.

Une artiste et une mère

Lynda Lemay a toujours su concilier sa vie d’artiste avec sa vie de famille. Mère de deux filles, elle a souvent évoqué l’équilibre délicat entre sa carrière internationale et son rôle de parent. Dans ses interviews, elle souligne l’importance de ne pas étouffer ses enfants, tout en restant une mère protectrice et présente. « Je ne les empêche jamais de vivre », confie-t-elle, expliquant qu’elle a appris à être mère en même temps qu’elle apprenait à être une artiste internationale, une expérience qu’elle qualifie d’ « exaltante ». Ses filles, Jessie et sa cadette, ont grandi au rythme de ses tournées et de ses créations, et Lynda Lemay a toujours veillé à ce que leur vie reste sereine, malgré les aléas de sa carrière.

Une création sans limite

Lynda Lemay est connue pour son approche sans filtre et son besoin de tout dire à travers ses chansons. Elle aborde des sujets souvent tabous, comme la dépression, la violence ou la culpabilité, avec une franchise qui touche profondément son public. « J’ai un manque de pudeur épouvantable », avoue-t-elle, mais c’est précisément cette sincérité qui fait la force de son œuvre. Pour elle, la création est un exutoire, un moyen de transformer ses peurs et ses doutes en poésie et en musique. « Écrire me fait du bien, c’est très égoïste comme exercice, mais ça fait aussi du bien à ceux qui écoutent », explique-t-elle.

Un héritage musical

Avec « La Onzième Folie », Lynda Lemay confirme une fois de plus son statut d’artiste incontournable de la scène francophone. Son spectacle, à la fois intime et universel, est une ode à la vie, à la folie douce et à la résilience. En 2025 et 2026, elle continue de parcourir la France et la Belgique, partageant sa passion et son énergie avec un public toujours aussi fidèle. Que ce soit sur les grandes scènes des festivals ou dans l’intimité des salles de concert, Lynda Lemay reste une conteuse hors pair, capable de faire rire, pleurer et réfléchir en quelques accords.

En résumé, « La Onzième Folie » est bien plus qu’un simple spectacle : c’est le reflet d’une vie d’artiste, d’une quête permanente de sens et d’émotion, et d’un amour inconditionnel pour les mots et la musique. Lynda Lemay, avec son franc-parler et son cœur à l’ouvrage, continue d’inspirer et de toucher des générations de mélomanes.

Avec "La vie qu’on mène", Mentissa abandonne temporairement les mélodies mélancoliques qui ont fait le succès de son premier album "La vingtaine" (certifié disque de platine) pour embrasser un style pop énergique et dansant, inspiré par les sonorités des années 80. Le morceau, co-écrit avec Linh et Noé Preszow, et produit par Romain Botti (qui a notamment travaillé avec Helena et Louane), se distingue par des synthétiseurs rétro, des effets de reverb’ et un tempo survitaminé. Ce virage vers une pop lumineuse et fédératrice est assumé : la chanteuse y exprime un besoin de légèreté et de fun, sans pour autant sacrifier la profondeur de ses textes. Le refrain, entraînant et plein de peps, interroge avec malice : "Regarde autour de nous, plus rien ne tient debout… Si c’est la vie qu’on mène, c’est quoi la vie qu’on aime ?"deltafm.fr+2.

Ce changement de registre s’inscrit dans une volonté d’explorer de nouveaux horizons musicaux, tout en restant fidèle à son identité. Mentissa avait déjà laissé entrevoir cette transformation lors de ses dernières apparitions scéniques, mais "La vie qu’on mène" confirme son envie de diversifier son univers sonore. Le titre, salué pour son efficacité et son potentiel radiophonique, s’annonce comme un hymne générationnel, mêlant énergie positive et réflexion sur le monde contemporaindeltafm.fr+2.

La collaboration avec des artistes et producteurs renommés souligne également l’ambition de ce projet. Après avoir tenté de représenter la Belgique à l’Eurovision en 2025 avec le titre "Désolée", Mentissa revient plus affirmée et déterminée à conquérir un public toujours plus large. La sortie de ce single s’accompagne d’une tournée prévue pour 2026, promettant des prestations scéniques à l’image de cette nouvelle énergieyoutube.com+1.

En résumé, "La vie qu’on mène" est bien plus qu’un simple single : c’est une déclaration d’intention, le signe d’une artiste en pleine maturation, prête à surprendre et à séduire avec un son résolument moderne et optimiste. Ce titre ouvre la voie à un deuxième album très attendu, qui devrait confirmer la place de Mentissa parmi les figures montantes de la pop francophonertbf.be+2.